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Arquitectura de código abierto y bambú.

Comparto mi tesis de maestría. Código abierto es un modelo para la gestión del conocimiento y se vincula con diferentes aspectos como el derecho de autor y el diseño industrial, licenciamientos y en general esto aplicado a cualquier actividad humana. Si bien nació en el software con copyleft, ahora expresiones artísticas como la música y el diseño se pueden gestionar a traves de licenciamientos Creative Commons.

Mi propuesta busco analizar sobre el código abierto, la implicación al establecimiento de un leguaje con el que vamos a codificar. Extender está lógica a la arquitectura permite reflexionar directamente con la modularidad, simetría, funcionalidad en cuanto a la materialidad. En lo virtual, informático la actualidad muestra como las ciudades se piensan como una extensión a grandes cantidades de información; y se modela la misma ciudad en aplicativos informáticos qye permite visualizar y proyectar el presente, pasado y futuro de un edificio, el lenguaje con el que se contruye este universo virtual marca un nueva frontera de alfabetismo.

Mi experiencia con el bambú me ha permitido reflexionar con el material y el lenguaje arquitectónico que se crea con las formas en los diseños y cómo estos van evolucionando dando forma espacios integrales, llenos de armonía y complejidad. El bambú se lo usa desde hace miles de años siendo Ecuador el país donde se registran los rastros mas antiguos. Esta tradición de arquitectura casi se ha perdido y uso del bambú ha crecido en laminados, pero la caña se usa a nivel marginal como viviendas efimeras o encofrados.

Garantizar una abierto y libre acceso al conocimiento es determinante para el futuro de nuestros hijos, es la única riqueza que perdura. Y usar el bambú en la arquitectura es un acto de liberación y amor a la tradición constructiva.

Proyecto tolita-bamboo

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fragmentos de líneas y curvas

Usando este sencillo y maravilloso experimento realizado con p5js, que dibuja fragmentos de líneas para arman curvas alteradas por ruido randómico sobre un patron de sombras. He modificado esté código para Processing con la finalidad que se pueda transcrivir a SVG, para luego dibujarlo con un CNC. El aporte consiste en armár una sola línea usando shape y curveVertex!

El concepto es ir de lo digital absoluto, a lo analógico dibujado por una máquina que lee las coordenadas producidas por las ecuaciones producidas por Processing y cuyo formato final es Cartulina y boligrafo 500×500 mm.

Estos son bocetos de una sola línea.

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Un retrato y otras líneas

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birdman y el cuerpo del gran imaginador


La idea de Albert Laffay sobre el narrador en el cine: “el gran imaginador”, intenta, a mi criterio, darle una corporeidad a esta instancia narrativa, otras teorias que lo sugieren lo llaman: enunciador del relato, instancia simbólica productora del relato, protesis simbólica necesaria para la conversación audiovisual. El cuerpo del narrador, que es lo que quiero sugerir, en la literatura, en última instancia, es quien escribe; pero en el cine muchas veces se sugiere que es la misma cámara, o la instancia detrás de la cámara. Lamentablemente en el cine se quiere ocultar esta instancia, que la historia se cuente sola, fácil, cómoda: parecería que únicamente existe la tercera persona como recurso del lenguaje cinematográfico.

En la película birdman, el uso de sus planos secuencia se los podría pensar como una sola gran frase fílmica soportando muchísimas historias, atravesadas por Riggan y su personaje de super héroe. Aquí la cámara toma presencia: agita con sus movimientos, estancamientos, descanso, vuelos; por lo menos permiten al espectador pensar quien esta detrás de la cámara. Además las alucinaciones de Riggan como parte de la diégesis del relato, su esquizofrenia diluida en la realidad que se representa, permiten suponer que quien esta detrás de la cámara es efectivamente birdman, la locura es la que sobreviene al relato. Al final su hija lo ve volar.
@cinemonstruo

@diogenez_

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Spellbound. La mujer y el psicoanálisis.

JB: If there’s anything I hate, it’s a smug woman. — “Si hay algo que odio, es una mujer pretenciosa

 

Constance: Darling, we’re just beginning. Don’t biff too hard yet. — “Querido, apenas empezamos, no me golpees tan fuerte todavía.

Cuando una persona se guia por la lógica y la razón, más se aleja de lo místico, misterioso, el amor; simplemente porque no tiene competencia en este ámbito. Por lo general son los hombre los que deambulan seguros y orgullosos de sus conocimientos, no porque tengan más capacidad que las mujeres, sino porque les resulta más fácil. Ellos no tienen lazos firmes e infranqueables con la naturaleza (misterio). Por otro lado las mujeres tienen la capacidad de ser madres, sus habilidades son mucho más variadas y por esto suelen ser más instintivas que analíticas. Cualidad que admiro y no dejare de admirar y suplicar a las mujeres.

De todas formas y a partir de la liberación femenina, las mujeres han arremetido con mucha fuerza en temas analíticos, o psicoanalíticos, en el caso de esta película; no por esto pierden sus otras capacidades, pero claro, inevitablemente si basamos nuestras creencias en lo que vemos y pensamos, nos alejamos de lo que sentimos e intuimos. Constance Peterson (Ingrid Bergman) es este caso, para lo que cito este dialogo:

Constance: “Pienso que el mayor daño hecho a la humanidad lo han realizado los poetas

Anthony: “Oh, los poetas son chicos aburridos, la mayoría de ellos, pero no especialmente diabólicos.

Constance: “Siguen llenando la cabeza de las personas con delirios sobre el amor… Escriben sobre ello como si fuera una orquesta sinfónica o un vuelo de los ángeles.

Anthony: “Lo cual no es verdad, ¿eh?

Constance: “Por supuesto que no. La gente se enamora, como ellos dicen, porque responden a una cierta coloración del cabello o tonos de voz o gestos que les recuerdan a sus padres.

Anthony: “o… o… a veces sin razón alguna.

Constance:  “Ese no es el punto. El punto es que la gente lee acerca del amor como una cosa y lo experimentan como otra cosa. Bueno, ellos esperan que los besos sean como poemas líricos y anhelan que sea como los dramas de Shakespeare.

Anthony: “Y cuando lo encuentran de manera diferente, entonces se enferman y tienen que ser analizados, ¿eh?

Constance: “Sí, muy frecuentemente

Anthony: “Profesora, usted esta un ‘poco loca’

Constance:¡Disculpe!

Mientras sucede este dialogo, Constance se va enamorando de Anthony (JB); esto sucede, a veces, por más que lo neguemos, de una forma sinfónica y dramáticamente mística. Ella, por la fuerza de este amor y su conocimiento, desmiente el crimen por el cual es perseguido.

Lo que me gustaría recalcar, es el poder que puede alcanzar una mujer cuando conjuga sus capacidades, primero y más importante, su instinto (fuera de toda razón) y luego su capacidad analítica: las mujeres son  mejores, la naturaleza (y esta película) lo demuestran.

 

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La Isla: del amor y otras pulsiones.

El cine de verdad es mucho más que audio visual, llega a todos los sentidos. Es el caso de esta película, que estruje el tacto, estimula la percepción, transgrede el amor como sexo, excita lo perverso y contradictorio.

Es una historia de amor, de un policía fugitivo y de una chica que alquila casas flotante para la pesca y la prostitución.

Ella también se prostituye, más por costumbre, que por necesidad. Alejada de ella misma su vida transcurre cómo un ente, no habla y lo hace todo por habito, iluminada por la belleza del lugar.

El amor tiene tanto de oscuridad como de luz, tanto de belleza cómo de fealdad, dolor tanto como placer, grotesco tanto como sensible, desgarrador tanto como apacible; en realidad lo uno conlleva a lo otro, como el dolor que se transforma el placer.

Deleuze, en la imagen-movimiento, hace un acercamiento a la imagen-pulsión, que estaría entre la afección y la acción: afección degenerada, mundos originarios, eterno retorno, fragmentos que buscan saciarse, derivando en prevenciones. En esta película, la pulsión utiliza parte del amor para justificar sus perversiones, o le arranca al amor un fragmento, para ultrajarlo, el instinto se ve desfigurado,  desmantela todo tratado, lo destruye todo. Pero es justamente en esta devastación, en donde vuelve a surgir o vuelve a iniciar, el afecto embrionario, este fragmento de amor devastado, tiene la posibilidad de volver a crecer.

Es así como se retrata el amor, que siempre en consecuencia será hermoso, por instantes supremos, que parece justificarlo todo.

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Mis plantas digitales.

Captura de pantalla 2015-05-17 a las 22.31.57

A partir de la serie de fibonacci y con funciones randómicas, este programa representan el  ciclo de vida de una planta. Nace, con la primera semilla que la ubica el usuario, crece  con diferentes tamaños, se reproduce con un máximo de tres semillas por árbol y muere. En unos minutos se observará un pequeño bosque que consume poco a poco el alimento del suelo, mientras el árbol muere devuelve el alimento al suelo: de esta forma se obtiene, por un tiempo, la estabilidad. La animación no se reproduce dos veces de la misma forma, siempre será diferente.

Código Fuente

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El cine es alimento: del espacio al tiempo.

(Fuente: http://blog.mikepan.com/)

Definitivamente se puede pensar al cine cómo una forma de alimentación. Al igual que la riqueza, sus formas son diversas: económica, intelectual, espiritual; uno puede alimentar tanto al cuerpo cómo al espíritu. Y el cine sería uno de los alimentos del espíritu.

El cine, representan  el devenir del tiempo sobre el espacio. Nosotros cómo seres espirituales, inteligentes, lógicos, estamos más cerca del tiempo que del espacio. Si bien el espacio es donde todo parece suceder,  donde nuestra inteligencia produce su sentido, donde la razón se solidifica. El alma, la conciencia, es lo que nos permite disfrutarlo.

El tiempo es donde vive nuestro espíritu, irrepetible, absoluto, imaginario. Cuando el relativismo llego a nuestra inteligencia, transformó el tiempo en espacio para poder medirlo (Newton), así aparece el “segundo”, como espacio que representa al tiempo. Y sobre esto se basa la filosofía natura o física, derivando en todo lo que la tecnología puede realizar.

Esto no quiero plantearlo como un error, lo veo como un destino, determinismo en el destino del hombre. Una historia que tiene su camino, pero que todavía no llega a su fin.

El cine nos ayuda mucho en entender al tiempo, dilatamos sensaciones, rememoramos fantasías, creamos un imaginario compartido, claro y simultáneo.

Con el The Birth of a Nation, se pudo ver, oír, sentir el lenguaje cinematográfico, cómo lo conocemos hasta ahora. El que permitió representar al tiempo, no solo espacio. Montaje alterno paralelo convergente, espacio en función del tiempo para articular historias, para proyectar tiempo. Como todo monstruo fue maldito, fue utilizado por la industria, el gran descubrimiento, el nuevo lenguaje en función de la ideología, un motor creador de sentidos, revoluciones, rememoraciones, alegrías, hombres, mujeres, “consumo”.

Ahora vamos al cine, y dentro de la oferta, tal cómo si fuera un lugar de comidas, seleccionamos lo que vamos a consumir. Al igual que el día al día, sabemos por experiencia: muchas papas fritas, hamburguesas, grasas no le viene bien a nuestro cuerpo (espacio). El exceso de películas “made in Hollywood” esta creando espíritus obesos, sedentarios, dependientes de la grasa, de combustible para moverse.

 

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¿cómo contar lo prohibido? Viridiana, Straw Dogs.

El cine es regulado como se sabe; y sobre lo que se va a contar, o más específicamente, sobre cómo se quiere contar, la ley, censura o regulación, simplemente no permite la distribución de materiales cuyo contenido haga apología a la violencia,  drogadicción o terrorismo: “que el malo termine ganando…”, se podría decir.

En este sentido si pensamos a esto cómo prohibición por la ley del hombre, por otro lado, mucho más delicado, esta la ley de dios. Cómo contar una historia en donde la filantropía católica se pague con violencia.

Viridiana.

En una escena Buñuel, representa la última cena, con un grupo de mendigos.

Viridiana - Escena última cena

Viridiana (Silvia Pinal), antes de entregarse a la vida de monja, decide, por petición de la madre superiora, ir a despedirse de su tío (Fernando Rey).  Poco a poco, esta relación desemboca en deseo, le confiesa su deseo de casarse,  la obliga a quedarse, la droga, le miente que la poseyó… Viéndose rechazado y humillado no allá más salida que el suicidio. Su hijo natural Jorge (Francisco Rabal), hereda junto a Viridiana la gran casa.

Viridiana, luego de la tragedia decide no volver al convento y en su lugar decide recoger un grupo de mendigos con el fin de ayudarlos a vivir mejor.  Lejos de ayudarlos, los corrompe aun más, cómo animales salvajes llevados a una casa. Evaluar el estado de la vida de la gente los hace mezquinos, luego pretender mejorarla termina en soberbia.

La ingenuidad de Viridiana, que era su mayor valor se rompe con los mendigos.

Ahora bien, en el final original de la película Viridiana  entra a la casa con Jorge y se quedaban los dos juntos. La censura, dejo pasar la última cena, relacionándola con el cuadro, pero el final simplemente no podía ser. Es así como se le ocurre que se quede con la sirvienta, jugando cartas. Hay una lectura, tomando en cuenta que la sirvienta era amante de Jorge, de suponer un triángulo amoroso. Mucho mas atrevido que el final original, todo esto por la censura, por la prohibición misma.

 

La ley del hombre.

Straw Dogs: Apología a la violencia.

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Esta película lleva la violencia a niveles intolerables, pero al mismo tiempo nos maravillán las imágenes (discurso audiovisual).  Dustin Huffman es David Summer, un matemático, norteaméricano que va becado a un poblado en Inglaterra, va con su esposa Amy. Las relaciones de poder que se van articulando tiene un espectro muy amplio, podríamos decir que circular. En el sentido que ruedan por completo ideas opuestas: del amor a la violencia, de la cordialidad a la violación, del respeto a matar.  El dinamismo de la historia, hace que todo vaya surgiendo cómo parte natural del hombre, de la relación con la mujer… de las provocaciones, de la correspondencia, de los consentimientos, de la complicidad… y por otro lado el sexo, las matemáticas, el poder, la violencia. Todo se va dando de tal forma parece consecuente. Pero cuando Mr. Summer no responde al hecho que sus trabajadores le hayan matado y colgado a su gata, se produce un movimiento de avanzada, de acumulación.

Su justificación: el amor, la supervivencia, la situación, el sexo,  el amor, no hay bueno, no hay malo.

 

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Birdcage Inn: Las putas de Kim Ki-Duk.

La estrategia del director Sur-Koreano es el sigilo, su discurso solapado en la solemnidad de lo cotidiano, es un respeto a las formas causales de la sociedad, por más horrendas o inquietantes sean. La prostitución, el abuso, la violencia contra la mujer, la familia; todo siempre desemboca en el amor. El amor como arte del cuerpo, que deriva en el alma por reflejo natural, más que por intenciones o sensaciones; las sensaciones se vuelven elementos visibles y carnales, casi siempre por necesidades de la sociedad; acaso las putas no son las heroínas que evitan el desenfreno total de la sociedad…

Birdcage_Inn_(1998)

Esta es la situación de Birdcage Inn, tercera película del director. Jin-a, una prostituta muy bella, que llega a Birdcage Inn a reemplazar a otra prostituta. Este motel, es mantenido por una familia completa, con un hijo (Hyun-woo) y una hija (Hye-mi). Si bien se desarrollan varias relaciones, al que me gustaría rescatar y a mi parecer la profunda del relato, es la que se da entre Jin-a y Hye-mi.

Jin-a, hermosa, su rostro trasmite ternura, y la ternura deriva en exigencia y violencia, es el sexo disfrazado de necesidad, o el amor disfrazado de sexo, o la necesidad disfrazada de amor, o simplemente la necesidad del sexo, el primer vicio que quiso salvarnos el cristianismo, sin fortuna; por eso se dice que es la profesión más antigua.

La realidad pura, para un relato, es inverosímil, es por esto que hay que ficcionalizarla, retocarla para que resulte verosímil, para que nos involucre; parecería que la belleza de Jin-a, responde a esta situación. Cuando los hombres vemos a una chica tan linda, en general, es inevitable fantasear con ella, es casi una responsabilidad disfrutarla con la mirada y la mente, y si la tenemos a disposición, nuevamente en general, sería muy complicado no abordar su cuerpo. Es lo que va pasando en la película, con cada hombre que pasa a su habitación, algo de nosotros participa en ese acto.

Ahora bien, que pasa con las mujeres. Hye-mi, representa a todas las mujeres, o más bien, la evolución en su personaje va representando la diversidad de sensaciones que afronta una mujer ante esta realidad (representación). Es la muestra clara de que los hombres afrontamos un mundo de sentimientos primitivo, primarios (regidos por el sexo), y es a través de la mujer que ampliamos este espectro a lo absoluto. Si vemos al amor como un mundo de sensaciones circular, Hye-mi, da la vuelta completa, hasta reencontrarse con el inicio que no ha cambiado, pero ella en este proceso sí.

Al final el mundo no cambia, los hombres con su necesidad, las mujeres con su devoción, y el amor cómo resultado, una bestia hambrienta, que se sacia con sexo e instantes de respeto.

 @di0genez